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JUDITH NELSON & PAUL NELSON "Le Silence des ruines" 3 octobre - 2 novembre 2013
JUDITH & PAUL NELSON le silence des ruines 3 octobre - 2 novembre 2013 vernissage: jeudi 3 octobre 2013 de 18h à 20h à 19h lecture de poésie de Paul Nelson Galerie Ivana de Gavardie 10 rue des Beaux-Arts 75006 Paris mardi-samedi: 14h30-18h30 contact: Arnaud Lefebvre tél.: +33 (0) 681 334 694 www.galeriearnaudlefebvre.com
Judith Nelson is an artist and Paul Nelson is a poet. It was David Gordon and Reno Odlin who first mentioned to me the work of Judith Nelson (in 1996, during an annual meeting in the memory of Hollis Frampton, organised by David Gordon in Maine). Judith and Paul came to Paris for a retrospective exhibition of Judith paintings at my galerie in rue Mazarine (in 2002). At that time they still lived in the north of Maine, before moving to Hawaii where they live today. Judith’s work opens a path from Minimalism. Her earlier Optical paintings developed into reliefs and found vegetal fragments, patiently put together as autonomous visual "organisms." Presumably this exhibition of recent pieces by Judith Nelson will give the strong feeling of her work a whole, of which each piece could be only a part. In 2002, Judith told me I didn’t seem to mind political dimensions in art. It helped me to see things differently. Her work may be seen as the beauty in ruin and as environmental statement. The poems of Paul Nelson are rather short poems, in any case not long poems. His poems are built precisely through imagery. Some of his poems « tell » artworks and one poem in the exhibition will « tell » a work by Judith. His poems are crossed by several moments of accumulated consciousness and memory, like the place of an experience. It seems to me his poetry is a form of personal expression and tangible reality accessible to all. It is also true of Judith Nelson’s art. The gesture makes the difference. As in music, the frontier is permeable between genders and identities that arise at such and such a moment in the mind or the perception of the viewer. It is the first time they will have a dual exhibition at my gallery and I thank them for their help in the preparation. Reno Odlin had the idea of this exhibition. I invite you to share this moment of meeting with Judith and Paul Nelson and their recent works. It is a privilege to attend the interaction of two artists who grew side by side, building a common life. Maybe art escapes those considerations, but it is our pleasure to taste it today. Paul Nelson will read his poetry during the opening at 7pm. A catalogue will accompany the show, with texts of Judith and Paul. Arnaud Lefebvre
Judith Nelson est artiste et Paul Nelson est poète. C’était d’abord David Gordon et Reno Odlin qui m’ont parlé du travail de Judith Nelson (en 1996, à l’occasion d’une rencontre annuelle en mémoire de Hollis Frampton, organisée par David Gordon dans le Maine). Judith et Paul étaient venus à Paris pour une exposition rétrospective de la peinture de Judith organisée rue Mazarine (en 2002). A cette époque ils vivaient encore dans le nord du Maine avant de déménager à Hawaï où ils habitent aujourd’hui. L’œuvre de Judith ouvre une voie tracée par le minimalisme. Sa peinture optique des premiers temps a fait place aux reliefs et aux fragments végétaux trouvés, patiemment assemblés dans des « organismes » visuels autonomes. Probablement cette exposition de pièces récentes de Judith Nelson donnera la forte impression que son travail est un tout dont chaque pièce pourrait n’être qu’une partie. En 2002, Judith m’avait fait la remarque que je ne semblais pas accorder d’importance à la dimension politique de l’art. Cela m’a aidé à voir les choses autrement. Son travail peut être interprété comme la beauté de la ruine et une prise de position environnementale. Les poèmes de Paul Nelson sont des poèmes assez courts, en tout cas pas des longs poèmes. Ses poèmes sont construits précisément d’après un ensemble d’images. Certains de ses poèmes « disent » des œuvres d’art et l’un d’eux dans l’exposition « dira » une œuvre de Judith. Ses poèmes sont traversés de différents moments de conscience et de mémoire accumulées, comme le lieu d’une expérience. Il me semble que sa poésie est une forme d’expression personnelle et de réalité tangible accessibles par tous. C’est aussi vrai de l’art de Judith Nelson. Le geste fait la différence. Comme dans la musique, la frontière est perméable entre les genres et les identités, qui surgissent à tel ou tel moment dans la pensée ou la perception du spectateur. C’est la première fois qu’une exposition en duo leur est consacrée à la galerie et je les remercie de leur aide pour la préparation. Reno Odlin avait eu l’idée de cette exposition. Je vous invite à partager ce moment de rencontre avec Judith et Paul Nelson et avec leurs œuvres récentes. C’est un privilège d’assister à l’interaction de deux artistes qui ont grandi côte à côte, en construisant une vie commune. L’art échappe peut-être à ces considérations, mais c’est notre plaisir de le goûter aujourd’hui. Paul Nelson lira sa poésie le jour du vernissage à 19h. Un catalogue de Judith Nelson accompagnera l’exposition, avec des textes de Judith et de Paul (en anglais et en français). Arnaud Lefebvre
JUDITH NELSON THE SILENCE OF RUIN
Since 2002 I have lived en plein air between the Waianae mountain range and the Mokuleia shore, a long beach from Ka'ena Point to Hale'iwa. As active contrast to ordinary seasons, this leafy canopy and vegetation is always growth in tradewind motion and sound, the rattle of fronds and leaves, shifting shadows, surf.
The detritus that I find is limp or stiff, bleached, burnt. Silent. Negligible in this radiant environment. The gum tree sheds its bark, the Opihi its shell, the Poinciana its stems, the Norfolk Pine its seeds. I make objects that site natural elements in new identities. My pieces are constructed of red dirt pigment printed with Poinciana pods and crustaceans on archival handmade papers wrapped, folded, crushed, rolled, wired. I form cobbled, barely crushed paper surfaces of repetition and overlap, with pods, stalks, leaves, seeds. Not to replace nature but to make art that mimes unstable, natural order. Each piece worries the fatigue of dissolution and becomes a remnant of its origin.
A leaf's leaving the tree does not diminish its identity. Such a found element still holds a trace of its original form, color, texture. When natural cycles are not confused by human interference, nature repeats itself. Seeds, blossoms, barks regenerate the species through cycles and seasons that are, like tidal wash or wind piles, constellations of elements. There is serenity in detritus.
It is a challenge to use what is at hand, chosen for a dare to make the alphabet of each piece.
I alter neither shape nor color. I collect materials as discovered. I will not carve or paint a found form, because it is perfect already, character preserved.
A glimpse of a place can elicit a memory from my visual history. I re-build that recollection, imagining when where and how it inspired my memory. I shape the pieces from those places. The relief surfaces of my work bind tactile scale to visual weight, some fragile or tentative, some sturdy and thick.
Each is composed of patterns altered to echo disturbances like shifting fault lines as if what's left is worth keeping. When the parts are preserved in such a chorus, they carry the geologic shift with slice, gouge, crunch, crumble, squeeze.
A piece can be a fraction of a source, like a stone pried from a desert cliff. Or, a ritual function. A sighting that suggests larger thoughts. The buckles and overlaps, tight or haggard, extend the surface where repetition invites inspection of tension, damage, endurance, the calm of natural fatigue within the demise of fiber. I fabricate shredded niches, worn surfaces drained of pigment, with vestigial elements.
I keep looking to visibly articulate the invisible. A privilege to witness remnant and make a new remnant in its honor.
Judith Nelson, October 3, 2013
The pieces in this exhibition are unframed without glass to project their presence into the viewing space.
JUDITH NELSON LE SILENCE DES RUINES
Depuis 2002, j'habite « en plein air » entre la chaîne de montagnes Waianae et la rive de Mokuleia, une longue plage qui va de Ka'ena Point à Hale'iwa. Formant un contraste actif aux saisons ordinaires, cette canopée et cette végétation feuillues poussent continuellement dans le mouvement et le bruit du vent alizé, le léger fracas des frondaisons et des feuilles, des ombres qui bougent et du ressac.
Le détritus que je trouve est flasque ou rigide, blanchi, brûlé. Silencieux. Négligeable dans cet environnement rayonnant. L'acacia perd son écorce, l'opihi sa coque, le ponciana ses tiges, le pin norfolk ses graines. Je fais des objets qui déplacent les éléments naturels dans de nouvelles identités. Mes pièces sont construites avec des pigments de poussière rouge imprimés avec des gousses de ponciana et des crustacés sur des papiers faits main de qualité archive, emballés, pliés, écrasés, roulés, liés avec du fil de fer. Je forme des surfaces de répétition en papier, maladroites, à peine écrasées, et les chevauche de gousses, de queues, de feuilles et de graines. Pas pour me substituer à la nature mais pour faire de l'art qui mime l'ordre naturel instable. Chaque pièce tourmente la fatigue de la dissolution et devient un reste de son origine.
Une feuille qui quitte l'arbre ne perd pas en identité. Un tel élément trouvé conserve encore une trace de sa forme, de sa couleur, de sa texture d'origine. Quand les cycles naturels ne sont pas perturbés par l'interférence humaine, la nature se répète elle-même. Les graines, les fleurs, les écorces régénèrent les espèces à travers des cycles et des saisons qui sont — comme l'eau de la marée ou les piles du vent — des constellations d'éléments. Il y a de la sérénité dans le détritus.
C'est un défi de se servir de ce qui est à portée de main, qui a été choisi par gageure de faire l'alphabet de chaque pièce.
Je ne modifie ni la forme ni la couleur. Je rassemble les matériaux comme je les découvre. Je ne sculpterais pas, ni ne peindrais une forme trouvée, parce qu'elle est déjà parfaite, son caractère est préservé.
Un bref aperçu d'un endroit peut dévoiler une mémoire provenant de mon histoire visuelle. Je reconstruis la façon dont les choses se sont passées, en imaginant quand, où, et de quelle manière cela a inspiré ma mémoire. J'élabore les pièces à partir de ces endroits-là. Les surfaces en relief de mon travail lient l'échelle tactile au poids visuel, certaines étant fragiles ou peu affirmées, d'autres étant hardies et épaisses.
Chacune de mes pièces se compose de modèles modifiés pour faire écho aux perturbations comme des lignes d'erreur changeantes, comme si ce qui reste valait la peine d'être conservé. Quand les parties sont préservées dans un chœur tel que celui-là, elles emportent avec elles le changement géologique fait en tranches, en gouges, en écrasements, en miettes ou en serrements.
Une pièce peut être une fraction d'une source d’origine, comme une pierre scrutée de loin dans une falaise du désert. Ou bien d'une fonction rituelle. Comme un spectacle qui suggère de plus larges pensées. Les boucles et les chevauchements, serrés ou hagards, étendent la surface là où la répétition invite à voir de près la tension, le dégât, l'endurance, le calme de la fatigue naturelle au sein du logement de la fibre. Je fabrique des niches en lambeaux, des surfaces usées drainées de pigment, avec des éléments de vestige.
Je continue à me soucier d'articuler visiblement l'invisible. C’est un privilège d'être témoin du résidu et de faire un nouveau résidu en son honneur.
Judith Nelson, 3 octobre 2013
Les pièces dans cette exposition n'ont ni cadres ni vitres afin de projeter leur présence dans l'espace du spectateur.
PAUL NELSON THE LINE IS STRONG AND THE ESCAPE IS THIN —Arnaud Lefebvre
For some of us, the word “civilization” professes our sometimes sophisticated habit of living by revisable laws and questionable customs, all the while disbelieving, individually, in the fruitful eventuality of reason. Given our history of slaughter and environmental degradation, reason has never prevailed. In that failure lies a thin, paradoxical life for poetry and painting to embody love of being within usual terror.
I think of Goya’s “black period.” They say so, but he was not mad.
When asked “What are you painting?” a painter answered “paint.” A useful obfuscation because writing poetry mixes words, evoking colors, touch, scent, visuals, sounds …music. Interpretation of poetry emerges from the way words expose or suggest images in the writer’s and reader’s subconscious. A fine poem can elicit a life’s mimetic narrative. A book of poems can. My mind works, not linearly, but elliptically, eclectically, analogically, with revised narrative. As I suppose Goya’s mind pulled stuff together, with such compression. His “Drowning Dog.” Memory is fictive. Poetry, from the Greek poieses, “making.” For this poet, there is no “real” past. The movie in my head is running revision.
If I seriously play, language as image leads me to form an intuition of a poem, a wholeness. A false faith maybe, but one that works. Faith is not rational. The process is Aristotelian. No muse from on high, but a kinesis, as if a poem were an undirected afterthought to the delight of physically laying down the words, not with intent to expose foregone ideas of what I might mean at any moment. I like the word “gist,” from the Old French, “gesir,” to lie. “Gist” is often taken to mean the essence of a consideration. I lie all the time in order to field an experience made of words. I don’t work from set ideas. I don’t know clearly what I feel and mean until I have sorted out a body of word images with narrative or associative links that express a new awareness, an un-realized gist, inkling of feeling and ideation …lying myself into and from the image I begin with. This is not mendacity, “mentir.”
The image perhaps lurks, emerges, as it might with the application of color or materials one happens to mix with some fine intuition or emotion, or the waft of charcoal on handmade paper, or the incisiveness of a pencil line as one draws in modest confusion. Layers, folds of paper, natural detritus, words that have their own origins. One image can lead to another in what seems disparate relation, to invent an expanded, excited context or metaphor coming to what seems a new integrity, which I hope leaves the experience open, however leading. Like a fabulous lie. Robert Frost said, “No surprise for the writer, none for the reader.”
If I say that the bark of a tree feels gray to the whorls of my finger tips a reader might take it to mean that the tree’s bark is dead, or a beech tree. That is the fineness of a reader’s freedom. That a writer feels the bark is gray may imply that he is feeling gray….worn, sick, quieter, less sanguine, say, than “blue.” One can live by fine images. Eventually, a good poem or painting has told the artist what it wants to be. It goes free of the artist. A whole poem may be generated by the word “whorls.” A coiled sensibility. A gyre? A rhyme with “world.”
William Carlo William’s “…red wheelbarrow glazed with rain water beside the white chickens” does more than sit there; it lets me feel that the poet loves vivacity more than ideas about or suggested by experience. He doesn’t need to say anything with this image. Though he did, prefacing it with the instructive “Everything depends upon…” No one really needs that phrase meaning no escape. I look for implicit dynamic in paintings as well. Poetry for me is not “about” anything, at least right away. It remains more experience than about it. If it is a vital experience it will cause reflection. WCW’s homely images put aside “loveliness.” A fine image can feel like a gist, an interesting lie that trails or blooms into reverie, redolent as the finish in a mouthful of fine wine.
One way poets lie is to exaggerate. Homer turned water to wine to blood with his “wine dark sea,” the strong line that works without The Iliad’s context. Poets are in love with exaggeration. Sylvia Plath’s “Daddy, Daddy, old black shoe …” in which she, as a child, felt like a foot. I wrote: “A lame raven, black pickaxe on snow, shatters ceramic apples.” The music came with the visuals. Poets can feel like lame ravens. Or pickaxes. Or see poems as cold, hard apples. Interpretations are merely plausible. “The escape is thin.”
PAUL NELSON LA LIGNE EST FORTE ET L'ÉCHAPPATOIRE EST MINCE — Arnaud Lefebvre
Pour quelques-un·e·s d'entre nous, le mot "civilisation" professe la façon parfois sophistiquée que nous avons de vivre selon des lois révisables et des coutumes contestables, tout le temps incrédules, pris individuellement, de ce que la raison peut avoir de fructueux. Étant donné notre passé de massacres et de dégradations environnementales, la raison n'a jamais prévalue. Dans cet échec demeure une vie mince et paradoxale pour la poésie et la peinture, qui donne corps à l'amour des choses et des gens à l'intérieur de la terreur habituelle.
Je pense à la "période noire" de Goya. Ils disent que si, mais il n'était pas fou.
Quand on lui a demandé "Qu'est-ce que vous peignez" un peintre a répondu "de la peinture". Un obscurcissement utile parce qu'écrire de la poésie mélange les mots, évocateurs de couleurs, de toucher, d'odeur, de vues, de sons... de musique. L'interprétation de la poésie émerge de la manière dont les mots exposent ou suggèrent des images dans le subconscient de l'écrivain et du lecteur. Un beau poème peut évoquer le récit mimétique d'une vie. Un livre de poèmes le peut aussi. Mon esprit fonctionne non pas linéairement mais par ellipses et par analogies, avec des narrations révisées. De même, je suppose, l'esprit de Goya tirait des trucs ensemble, avec une telle sorte de compression. Son « Le Chien ». La mémoire est fictive. La poésie, du grec poieses, "faire". Pour ce poète il n'y a pas de « vrai » passé. Le film dans ma tête défile en révision.
Si je joue sérieusement, le langage en tant qu'images m'amène à former une intuition d'un poème, une totalité. Une fausse croyance peut-être bien, mais qui marche quand même. La croyance n'est pas quelque chose de rationnel. Le processus est aristotélicien. Pas de muse venant d'en haut mais une kinésie, comme si un poème était une arrière-pensée indirecte du plaisir qu'il y a à coucher physiquement les mots par écrit, sans intention d'exposer les idées préconçues de ce que je pourrais vouloir dire à tel ou tel moment. J'aime le mot « gist » (« le point capital »), qui vient de l'ancien français « gésir », être étendu. « Gist » est souvent pris pour signifier l'essence d'une considération. Je couche (« lie ») par écrit tout le temps en sorte que je campe une expérience faite de mots. Je ne travaille pas à partir d'idées fixées à l'avance. Je ne sais pas clairement ce que je ressens et veux dire jusqu'à ce que j'aie trié un corpus de mots-images, avec des liens narratifs ou associatifs qui expriment une nouvelle conscience, un point capital non pris en compte, insinuation de sentiment et d'idéation... m’étandant moi-même dans et à partir de l'image de laquelle je suis parti. Ce n'est pas le mot « lie », mentir.
L'image se cache peut-être, et émerge, pour ainsi dire, avec l'application de la couleur ou des matériaux que l'on se trouve à mélanger suivant une belle intuition ou une belle émotion, ou avec le transport du fusain sur le papier fait main, ou encore avec la marque incisive d'une ligne de crayon tandis que l'on dessine en modeste confusion. Les épaisseurs, les pliages de papier, les détritus naturels, les mots ont leurs propres origines. Une image peut mener à une autre dans ce qui semble être une relation disparate, pour inventer un contexte agité et en extension, ou une métaphore, provenant de ce qui semble être une nouvelle intégrité, qui je l'espère laisse l'expérience ouverte, quoique principale. Comme un fabuleux coucher. Robert Frost disait: « Pas de surprise pour celui qui écrit, pas de surprise pour celui qui lit. »
Si je dis que l'écorce d'un arbre paraît grise aux enroulements du bout de mes doigts, un lecteur peut comprendre que c’est l'écorce de l'arbre qui est morte, ou qu'il s'agit d’un bouleau. C'est la beauté qu'il y a dans la liberté du lecteur. Qu'un écrivain sente que l'écorce est grise peut vouloir dire que lui-même se sent gris...fatigué, malade, plus calme, moins sanguin, disons, que « blue » (mélancolique). On peut vivre de belles images. Finalement, un bon poème ou un bon tableau a dit à l'artiste ce qu'il voulait être. Il se libère de l'artiste. Un poème entier peut être généré par le mot "enroulements". Une sensibilité enroulée. Un tour? Une rime avec « le monde ».
Le « ... la brouette rouge vernissée par l'eau de pluie à coté des poulets blancs » de William Carlos William fait plus que trouver place ici; il me donne la sensation que le poète a des sentiments plus profonds pour la vivacité que pour les idées portant sur quelque chose ou suggérées par l'expérience. Il n'a pas besoin de dire quoi que ce soit avec cette image. Bien qu'il l'ait fait, préfaçant cela avec l'instructif "Tout dépend de ...". Personne n'a vraiment besoin de cette phrase signifiant que c'est sans échappatoire. Je cherche de même une dynamique implicite dans les peintures. La poésie pour moi n'est pas "sur" quoi que ce soit, au moins dans l'immédiat. Elle reste davantage une expérience qu'un sujet d'expérience. Si c'est une expérience vitale, elle provoquera une réflexion. Les images de tous les jours de William Carlos William enlèvent leur aspect charmant aux choses. Une belle image peut avoir l'air du point capital, une intéressante façon de s’allonger qui traîne ou fleurit en rêverie, parfumée comme le fini dans une pleine gorgée de bon vin.
Une des manières qu'ont les poètes de s’allonger est d'exagérer. Homère a changé l'eau en vin et en sang avec son "mer de vin sombre", la ligne forte qui marche sans le contexte de L'Iliade. Les poètes sont amoureux de l'exagération. Le "Papa, Papa, vieille chaussure noire..." de Sylvia Plath, dans lequel comme enfant elle avait l'impression d'être un pied. J'ai écrit: "Un corbeau boiteux, pioche noire sur la neige, éclate les pommes en céramique". La musique est venue avec les visuels. Les poètes peuvent avoir l'impression d'être des corbeaux boiteux. Ou des pioches. Ou bien voir les poèmes comme des pommes froides et dures. Les interprétations sont seulement plausibles. "L'échappatoire est mince."
JUDITH & PAUL NELSON le silence des ruines 3 octobre - 2 novembre 2013
jeudi 3 octobre 2013 à 19h lecture de poésie de Paul Nelson
« La poésie pour moi n'est pas "sur" quoi que ce soit, au moins dans l'immédiat. Elle demeure davantage une expérience qu'un sujet d'expérience. Si c'est une expérience vitale, elle provoquera une réflexion. Les images de tous les jours de William Carlos William enlèvent aux choses leur aspect charmant. Une belle image peut avoir l'air de ce qui compte le plus, une façon intéressante de mettre par écrit qui traîne ou fleurit en rêverie, parfumée comme le goût de fini dans une pleine rasade de bon vin. » — Paul Nelson
(…) because they are so light and very heavy thereby nothing to fear in illo tempore these walls these floors these frail cliffs with cleft and niche these inklings that will never close over or around you They too must escape closure would leave you free though thin (from Paul Nelson ’Language of Detritus’)
Books of poetry by Paul Nelson: Cargo, 1972; Ice, 1974; Average Nights, 1977; Days Off, 1982; The Hard Shapes of Paradise, 1988; Sea Level, 2008; I Bought Her Juicy, Thin-Skinned Lemons, 2012
Galerie Ivana de Gavardie 10 rue des Beaux-Arts 75006 Paris mardi-samedi: 14h30-18h30 contact: Arnaud Lefebvre tél.: +33 (0) 681 334 694 www.galeriearnaudlefebvre.com
Presentation by Paul Nelson of his 8 poems in the exhibition / Présentation de Paul Nelson des 8 poèmes qu'il expose: Inspired by my wife’s artworks, “Language of Detritus” deals with a viewer’s perceptions or intuitions, thinking that the works bring back to us something archetypical, geological, biological in visions of the way remains of nature can organize themselves, or be organized by an artist, into gists, images that our most ancient, engrammatic memories retain and recognize.
“Hedgerow” comes from the idea of the “veil” through which we see most and maybe best, indistinctly, as in St Paul’s “glass darkly.” Life is in what we imagine through the hedge, not in what can actually be seen. Do we imagine more truly than when we attempt to see clearly, pragmatically, hedges down? Do we need hedges? Of course.
“This Raven” is a metaphor for what the poet/artist does, even when impaired, as I would suggest we all are. We keep working, “hacking” at a “ceramic apple,” making things of value that seem to have no appreciable value except in the beauty of the images. Not in this dangerous, increasingly un-natural world.
“Google, Zoom, Look Close” appreciates the lack of idealism in Bruegel’s painting. His “infant” has the face of age, illness and experience, a prediction of Jesus life. This is a tough infant, wise beyond happiness, incapable of shallow thought, like the usual sense of Beauty. In that, the painting survives Beauty. The poem hopes to bring that toughness into view of current life, say, the boy from Afghanistan, who is beyond anger and therefore very dangerous. Can he be distracted, as the dog can? What would the infant say or see? Is he doomed to compassion?
“Nests Blown Loose” was occasioned by the terrorist act during the recent Boston Marathon. The athletes were like baby birds, and the storm wind happened in a town known for patrician attitudes, i.e. Brahmin, upper class, inherited poise and security with its parks and churches. Only a painter can re-use the nests.
“Tulip Head” is my response to the painting by Bosch. It registers my will to never have my anxieties removed because it is they that inspire my poetry. The poem has already frightened other poets with its adequate humor.
“Aubade,” a sonnet in one sentence, tries to get at the kind of life that lies behind Goya’s painting, the animal, in this case reptilian, energy of survival that the dog seems resigned to quit, beyond struggle. A fearful painting.
“Thaw” attempts to generate a story of what is “really” going on in the still life depicted by Bruegel’s painting of skaters on thinning ice. Birds, too, are in danger, though one magpie, a poet maybe, seems immune to the “thin escape” for all included. Routine life is dangerous indeed, never idyllic.
Inspiré par l’art de mon épouse, “Langage de détritus” traite des perceptions ou des intuitions du spectateur, en pensant que les pièces nous ramènent à quelque chose d’archétypal, de géologique, de biologique dans les visions de la manière que des restes de la nature peuvent s’organiser eux-mêmes, ou être organisés par un artiste, en cœur de la chose, en images que nos mémoires les plus anciennes, les mémoires engrammatiques, retiennent et reconnaissent.
« Hedgerow » (« Haie ») vient de l’idée du « voile » à travers lequel nous regardons la plupart du temps et peut-être le mieux, comme dans le « verre obscurément » de Saint Paul. La vie est dans ce que nous imaginons à travers la barrière de protection, pas dans ce qui se présente effectivement à notre vue. Est-ce que nous imaginons avec plus de vérité que quand nous nous efforçons de voir clairement, pragmatiquement, toutes barrières baissées ? Est-ce que nous avons besoins de barrières ? Bien sûr.
« This Raven » est une métaphore pour ce que fait le ou la poète/artiste, même sans être en pleine possession de ses moyens, ce que je suggérerais que nous sommes tous. Nous continuons à travailler, à « taillader » une « pomme en céramique », à faire des choses de valeur qui semblent ne pas avoir de valeur appréciable hormis la beauté des images. Pas dans ce monde dangereux, qui est de moins en moins naturel.
« Google, Zoom, Look Close » apprécie le manque d’idéalisme dans le tableau de Brueghel. Son « petit enfant » a le visage de l’âge, de la maladie, et de l’expérience, une prédiction de la vie de Jésus. C’est un petit enfant dur, sage au-delà du bonheur, incapable de pensée superficielle, comme le sens habituel de la beauté. En cela, la peinture survit à la beauté. Le poème espère apporter cette dureté dans la façon de voir de la vie actuelle, disons, le garçon d’Afghanistan qui est au-delà de la colère et donc très dangereux. Son attention peut-elle être distraite, comme elle le peut pour le chien ? Qu’est-ce que le petit enfant dirait ou verrait ? Est-ce qu’il est voué à la compassion ?
« Nests Blown Loose » (« Nids soufflés en vrac ») a été fait à l’occasion de l’acte terroriste pendant le marathon récent de Boston. Les athlètes étaient comme des bébés oiseaux, et la tempête est survenue dans une ville connue pour ses attitudes patriciennes, c’est-à-dire des brahmanes, la classe supérieure, assurance et sécurité héritées avec ses parcs et ses églises. Seul un peintre peut réutiliser les nids.
« Tulip Head » est ma réponse au tableau de Bosch. Il enregistre ma volonté de ne jamais passer outre mes angoisses parce que ce sont elles qui inspirent ma poésie. Le poème a déjà effrayé d’autres poètes avec son humour adéquat.
« Aubade », un sonnet en une phrase, essaye de parvenir au genre de vie qui se trouve derrière le tableau de Goya, l’animal, dans ce cas reptilien, l’énergie de survie que le chien semble résigner à abandonner, au delà de la lutte. Un tableau qui effraye.
« Thaw » (« Le dégel ») tente de générer une histoire de ce qui se passe « vraiment » dans la nature morte dépeinte par le tableau de Brueghel des patineurs sur une glace mince. Les oiseaux aussi sont en danger, même si une pie, un poète peut-être, semble à l’abri de la « mince échappée » pour le meilleur et pour le pire. La vie de routine est assurément dangereuse, jamais idyllique.
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Exhibit Images  Judith Nelson and Paul Nelson view of exhibition photo © Norman McGrath  Judith Nelson left wall photo © Norman McGrath  Paul Nelson's poems "Language of Detritus", "Hedgerow", "This Raven", "Google Zoom, Look Close", "New Nests Blown Loose", "Tulip Head", "Aubade", "Thaw" photo © Norman McGrath  Judith Nelson right wall photo © Norman McGrath  Judith and Paul Nelson photo © Norman McGrath  at the opening  and friends  Judith Nelson CLOISTER, 2010, 71 x 61 x 4 cm Crustacea printed paper with Haole pods Red dirt pigment on handmade papers  Judith Nelson BAFFLE PLY, 2013, 53 x 71 x 5 cm Palm twigs, barks, Bamboo, Royal Ponciana prints Red dirt pigment on handmade papers  Judith Nelson INCEPTION, 2009, 58 x 71 x 6 cm Royal Ponciana pod prints with Haole Koa seed pods, Bamboo, Norfolk Pine seeds Red dirt pigment on handmade papers  Judith Nelson TRUSS, 2013, 58 x 58 x 6 cm Acacia barks wrapped with Ponciana printed tissue, twig stems, twigs, pods filaments Red dirt pigment on handmade papers  Judith Nelson TALLOW BIND, 2011, 71 x 63 cm Acacia Gum tree barks with crustacea printed paper rolled, wired, twigs Red dirt pigment on handmade papers  Judith Nelson PELT, 2013, 58 x 61 x 5 cm Royal Ponciana prints on vellum Red dirt pigment on handmade papers  Paul Nelson LANGUAGE OF DETRITUS 2013 PAUL NELSON LANGAGE DE DÉTRITUS Un animal à l'aube après s'être nourri dangereusement peut écouter ce calme peut avancer précautionneusement sous ces bords de toits en pierre feuilles pendantes d'étagères métaphoriques en papier et cosses et tiges et pigments le sol de poussière rouge du Lascaux de l'esprit crypte d'anciens tessons de gerbes et de fourreaux et d'os qui prouvent que tu as pu exister toi aussi Ressens ce relief avec tes yeux prie la promesse muette dans le schiste et l'ardoise et les écailles la garantie ocre du délai et la mince échappée pour chacun dans les placides frondaisons et bractées flétries la verdure morte synclinaux et anticlinaux de matière compressée 'en plein air' parce qu'ils sont si légers et ainsi très lourds rien à craindre 'in illo tempore' ces murs ces sols ces falaises fragiles avec fente et niche ces allusions qui ne se fermeront jamais sur ou autour de toi Eux aussi doivent échapper à la fermeture te laissent libre bien que mince (traduction A.Lefebvre)  Paul Nelson HEDGEROW  Paul Nelson THIS RAVEN  Paul Nelson GOOGLE, ZOOM, LOOK CLOSE Paul Nelson GOOGLE, ZOOM, LOOK CLOSE “L’adoration des Mages” de Brueghel Fades, les yeux chassieux de l’enfant. Une protubérance sur la narine gauche, kystes rouges sur les joues. Et voilà mon Rottweiler dans la cour dont le regard fixe musclé est simplement devenu mort, sec de justice, dans le besoin de distraction, de repos, de soulagement des dieux, Puis part à la cuisine pour de l’eau et des restes. Il n’était pas en colère. Un ange survivant au moment. Je sais ce qui l’a changé. Pas important ; c’était humain, mais pour lui une guerre civile en éden, un jour, une heure, quelques minutes ravies, sales, pour lesquelles il pourrait tuer ou mourir. Bien sûr il n’a aucun sens du temps. Les anges n’en avaient pas. Dans le NYTimes un garçon afghan en habits de berger, la Kalashnikov trop grosse, trop lourde. Ses yeux limpides sans mise au point. Il ne peut pas nous voir. « Image intemporelle», dit le journaliste. Comme le chien le garçon n’est pas brillant de haine. Donc il est très dangereux. Faites un zoom sur l’hilarité dans les yeux du bébé de Brueghel, large sourire, son visâge pâteux, pourri, pétrin qui ne lèvera pas, son regard douteux une rêverie au-delà des petits bols d’or des Mages, d’encens pour la prière, de myrrhe pour sauver un cadavre. Quelle pire menace pour les dieux que d’être compris ? (traduction Arnaud Lefebvre)  Paul Nelson NEW NESTS BLOWN LOOSE NOUVEAUX NIDS SOUFFLÉS EN VRAC et les bébés oiseaux se fripent sur la Chambre des députés vont confits sur l’asphalte hors de la bordure où les chats anarchistes esquivent dans l’obscurité leurs affaires avec les vivants De l’autre côté de la rue les érables impassibles du cimetière et une église en granite où des rafales athlétiques semblent errer secouent des aînés vagabonds des fleurs en plastique fanées dans les rangées Où les coureurs sont passés Un peintre recueille les nids culbutant sur le gazon sous les bancs du Brahmane s’arrêtant aux propres pierres Les vaporisent avec du fixatif « Quel beau tissage » dit-elle « Regarde les cheveux humains !» les garde sur sa table de travail sûre des détritus Fait du vent aujourd’hui idée de fragile dans la ville un sac marron en papier pour marcher dessus sans penser à tenir ce qui est tombé sur la terre. (traduction Arnaud Lefebvre)  Paul Nelson TULIP HEAD  Paul Nelson AUBADE  Paul Nelson THAW  Judith Nelson DESCENDER, 2013, 51 x 66 x 4 cm Digital photograph of seed pod prints on Royal Ponciana printed paper Red dirt pigment on handmade papers  Judith Nelson WEFT RIND, 2012, 66 x 58 x 5 cm Royal Ponciana seed pods printed on tissue paper, rolled, wired, with Bamboo and Mont tree bark Red dirt pigment on handmade papers  Judith Nelson THATCH CAP, 2013, 51 x 69 x 6 cm Pod prints from Royal Ponciana, Halecoma pods, stems, Haole Koa pods, Bamboo THATCH CAP, 2013, 51 x 69 x 6 cm Pod prints from Royal Ponciana, Halecoma pods, stems, Haole Koa pods, Bamboo Red dirt pigment on handmade papers  Judith Nelson TRENCHED WEDGE, 2010, 56 x 66 x 6 cm Royal Ponciana pod prints with stems, twigs, barks, Norfolk Pine seeds Red dirt pigment on handmade papers  Judith Nelson FOSSIL COLONY, 2012, 61 x 66 x 6 cm Red dirt hand print backing with Royal Ponciana printed and rolled papers Red dirt pigment on handmade papers  Judith Nelson WELTER, 2011, 69 x 63 x 6 cm Royal Ponciana pod prints, husks, barks Red dirt pigment on handmade papers |