Portrait d'artistes:
AMY ANTIN 18 septembre 2014 - 27 septembre / ROBERT HUOT 02 octobre - 11 octobre / ANITA PAIN 16 octobre - 25 octobre / NICOLE HASSLER 30 octobre - 08 novembre / SYLVIE BONNOT 13 novembre - 22 novembre / EUGENIE PAULTRE 27 novembre - 06 décembre / STEPHANE BAYARD 11 décembre - 20 décembre 2014
18 septembre - 20 décembre 2014
CYCLE PORTRAIT DâARTISTES
AMY ANTIN
18 septembre - 27 septembre
ROBERT HUOT
02 octobre - 11 octobre
ANITA PAIN
16 octobre - 25 octobre
NICOLE HASSLER
30 octobre - 08 novembre
SYLVIE BONNOT
13 novembre - 22 novembre
EUGENIE PAULTRE
27 novembre â 06 dĂ©cembre
STEPHANE BAYARD
11 décembre - 20 décembre
La Galerie, récemment installée au
10 rue des Beaux Arts dans le sixiÚme arrondissement de Paris, a souhaité pour
cette rentrée de septembre, donner la parole aux artistes. Du 18 septembre
au 20 décembre 2014, la Galerie Arnaud Lefebvre présentera un cycle de
courtes expositions personnelles de sept artistes, que nous appelons des
Portraits.
Le choix d'expositions Portraits vise Ă replacer lâartiste au centre
des recherches qui l'ont menĂ©es Ă son art. Lâobjectif du cycle âPortrait
dâartistesâ est donc de prĂ©senter Ă la fois l'art et la personne de lâartiste.
« En associant les visiteurs à la
personne qui crée l'art et dans le but de communiquer avec l'artiste et
l'artiste avec les visiteurs, le cycle Portrait d'artistes est un partage
de l'intĂ©gralitĂ© du processus de crĂ©ation » â Judith Nelson.
CYCLE PORTRAITS OF ARTISTS
The
Arnaud Lefebvre Gallery recently moved to 10 rue des Beaux Arts in the
sixth district of Paris and for our new program we would like to let the
artists speak. From September 18th till December 20th, 2014, we propose a cycle
of short personal shows of seven artists, that we call âPortraits.â
This series of individual "Portraits" intend to
replace the artist at the center of his or her work. The purpose of this cycle
"Portraits of Artists" is to exhibit both the art and the person of the artist. For that matter, we
invited each artist to show his or her recent work and talk about it (during or
after the opening).
âPortrait of Artists', by identifying the
viewers with the person who made the art, and to communicate with the artist,
and the artist with the viewers, shares the whole creative processââJudith
Nelson
présentation de "Portraits d'artistes" par Arnaud Lefebvre
AMY ANTIN.
Amy Antin, née à New York en 1955, est chanteuse de jazz,
compositrice, paroliÚre et artiste peintre. Influencée par la maßtrise de
la luminosité des impressionnistes et par le travail de la couleur
du peintre américain Mark Rothko, ses peintures acryliques abstraites sur bois
sont des champs d'intensité variables de couleur. Incisant le bois à la
recherche de son motif, l'artiste se laisse guider par les aspérités naturelles
que lui offre le support tout en composant ses ensembles par des bandes de
couleur prĂ©dĂ©finies. Au cĆur de ses Ćuvres, se joue un conflit entre force
chromatique et finesse de la ligne, entre remous de peinture et Ă©criture
imagée. Cette dualité se retrouve dans ses compositions musicales. Passionnée
de jazz, ses chansons ont la couleur des sentiments et la force rythmique de la
musique afro-américaines.
18 septembre-27 septembre
AMY
ANTIN.
Amy Antin, born in New York City, is a singer,
songwriter and a painter. Influenced by the masterful luminosity of the French
Impressionists and by American painters Mark Rothko, Agnes Martin, Richard
Diebenkorn and Robert Ryman, her acrylic paints abstracted on wood feature
color in varying fields of intensity. Scraping through layers of paint in
search of her motifs, supported by the natural strength of the wood, the artist
then veils these sections in part with multiple and thin bands of paint. At the
heart of her work lies the conflict between chromatic strength and fine line.
This duality is also to be found in her musical compositions, where the
rhythmic pulse of her music underlies precise and poetic lyrics, creating songs
that combine exactitude with passion.
September 18-September 27
Amy Antin "Soul Pieces"
Amy Antin "Healed"
Amy Antin "Pennies"
ROBERT HUOT.
Robert Huot , né à New York en 1935, est l'un des premiers
artistes de l'art minimal aux USA. Il a commencé à peindre à la fin des années
50, puis a employé différents médiums: performances, films, photos, musique et
toujours la peinture. Dans les années 60-70, l'art de Robert Huot évolue vers
une forme plus conceptuelle voire invisible, en réaction à la marchandisation
de l'objet d'art traditionnel et Ă la situation politique issue de la guerre du
Vietnam . Par son engagement au seinde l'Art Worker Coalition et par sa prise
de position pacifique lors de ce conflit (Robert Huot a co-organisé
l'exposition Benefit For The Student Mobilization Commitee To End The War in
Vietnam Ă la Galerie Paula Cooper en 1968) , l'art de Robert Huot se
dématérialise selon le terme de Lucy Lippard. Illustrant les idées de Seth
Siegelaub, l'un des principaux promoteurs de l'art conceptuel aux USA dans les
années 60, Robert Huot remet en cause le concept d'oeuvre d'art et renouvelle
fondamentalement la relation au spectateur . Cette prĂ©occupation l'a conduit Ă
employer de nouvelles formes d'expression dans lesquelles l'artiste devient Ă la
fois le sujet et l'objet de son expérience artistique: des Diary Films
et Diary Paintings des années 70, aux travaux photographiques et
d'animation rĂ©cents en collaboration avec Carol Kinne, en passant par son Ćuvre
peinte d'envergure basée sur le triangle équilatéral.
Pour son "Portrait", Robert Huot a choisi d'exposer des photos de la sĂ©rie "Red Classics" qu'il a rĂ©alisĂ© en collaboration avec l'artiste Carol Kinne. Et Ă l'occasion de la "Nuit Blanche" du samedi 4 octobre, seront montrĂ©s ses deux films d'animation "4 Carols +" et "Masks 2", en alternance avec la la performance dâAgnĂšs Butet « Autres
familles. Dyptique ».
02 octobre-11octobre
Nuit Blanche 4 octobre 20h-2h en alternance avec AgnĂšs Butet
Texte de Robert Huot sur la série "Red Classic"
vidéo de la lecture du texte
ROBERT HUOT
Born
in New York in 1935, Robert Huot is among the first artists of Minimal
Art. Going through a conceptual period in the 60's, Robert Huot's art
deeply renew the relation of the viewer to the artwork: from his "Dairy
Films" and "Diary Paintings" of the 70's to his recent photographic and
animation works, including his large body of triangular paintings. For
his "Portrait", Robert Huot will show photos of his "Red Classics"
series that he made in collaboration with the artist Carol Kinne. And on
the occasion of the "Nuit Blanche" event we will show the two animation
films "4 Carols +" and "Masks 2" by Robert Huot and Carol Kinne, in
alternance with the performance "Other Families. Dyptich" of the French
Choreographer Agnes Butet.
October 2-October 11
"Nuit Blanche" event, Saturday October 4, 8pm-2am, in alternance with Agnes Butet.
Robert Huot on the "Red Classic Series"
video of the reading (in French)
ANITA PAIN.
« Mon pÚre m'a donné l'appareil photo dont je me sers.
Il a passé son enfance dans les quartiers pauvres de l'est de Londres et pour
lui la photo changeait la façon de voir les choses. Il a assisté à des destructions
d'Ă©normes immeubles pendant la guerre, avec du verre partout qui renvoyait la
lumiĂšre et il a pris conscience que ces moments sont uniques. Je suis venue
assez tard à la photo et l'idée un peu illusoire de faire un choix et de
décrire me plaßt beaucoup. J'ai tendance à mettre en valeur les petits détails
de la vie qui m'entoure. C'est tout un jeu qui se déroule devant l'objectif, et
grùce à la lumiÚre et à un décor de tous les jours, un brin d'herbe devient
plus que ça." J'aime jouer avec le symbolisme et quand on capture des
objets qui se trouvent les uns à cÎté des autres, on construit une histoire.
« L'autoportrait me pose en tant qu'artiste le
défi de partager mes observations privées et de déterminer la façon de dire mes
propres histoires Ă un moment oĂč la photographie est saturĂ©e par les images
personnelles de tous les jours. Quand je fais un portrait je prends volontiers
en compte la maniĂšre dont la personne qui pose aimerait apparaĂźtre, de quelle
façon ils se voient eux-mĂȘmes et de quelles Ă©nigmes relĂšve leur monde
intérieur, que l'on soit dans le grandiloquent, dans le contact visuel ou dans la
posture.
« Quand je retourne
cela Ă mon compte, cela transforme mes histoires personnelles et ma famille
bien aimĂ©e dans des fenĂȘtres qui donnent sur l'extĂ©rieur, des miroirs qui
réfléchissent vers l'intérieur, et des rideaux qui s'ouvrent pour révéler ou
qui se ferment pour cacher ». â Anita Pain
16 octobre-25 octobre.
textes d'Anita Pain
vidéo de la lecture
ANITA PAIN
"My
father gave me the film camera that I use, he grew up in the east end
slums of London and found that with a camera came a different way in. He
saw huge smashed buildings during the war with glass everywhere
reflecting light and realised these moments are unique. I came quite
late to photography and feel excited by the illusive task of knowing
what to value and describe, I am drawn to highlight the unseen details
of the life around me. Drama plays out infront of the lens and with
light and everyday props a piece of grass becomes more. I like to play
with symbolism and the objects captured when placed together build a
story."âAnita Pain
October 16-October 25
Reading of two texts of Anita Pain
see the texts
NICOLE HASSLER.
Nicole Hassler est une artiste plasticienne suisse.
InfluencĂ©e par le mouvement de lâArt minimal et conceptuel, elle travaille
dâabord toutes les variĂ©tĂ©s et qualitĂ©s de noir sous forme de monochrome. TrĂšs
vite lâartiste change sa gamme chromatique et nâutilise plus que des matĂ©riaux
provenant de lâindustrie cosmĂ©tique. Elle utilise des fonds de teint quâelle
mélange à différentes résines. La surface peinte devient peau. Ses tableaux de
maquillage sont de véritables portraits abstraits de femme, avec leurs
caractéristiques de sensualité et de douceur. Mais Nicole Hassler explore aussi
dâautres domaines artistiques: elle travaille la photographie, lâĂ©criture et la
vidĂ©o. Le choix dâutiliser des
produits cosmĂ©tiques nâest pas anodin: il est une rĂ©flexion philosophique sur
le thĂšme de lâidentitĂ©, de lâapparence, de la sensualitĂ© et de la fĂ©minitĂ©.
30 octobre-08 novembre.
vidéo de présentation de Nicole Hassler
NICOLE HASSLER
is a Swiss Painter. Her monochrome painting is made with cosmetic
products. She is interested in the notions of identity, appearance,
sensuousness and femininity. Her pictures of make-up are real women
abstract portraits. Nicole Hassler's work is innovative with an
impressive sense of continuity. She also uses photography and video. Video of the reading by Nicole Hassler
October 30-November 8
Nicole Hassler introduces her show
SYLVIE BONNOT.
Sylvie Bonnot, nĂ©e en 1982, est diplĂŽmĂ©e de lâĂcole
nationale supérieure des beaux arts de Dijon. Elle s'intéresse à la question du
paysage et du territoire. Comment le définir, comment l'éprouver ? L'artiste voyage
pour se confronter Ă des milieux inhospitaliers, mettre Ă l'Ă©preuve son corps
afin de mieux saisir toutes les caractéristiques physiques, géographiques,
structurelles et esthétiques de ces paysages sauvages. AprÚs l'immersion
totale, s'en suit tout un travail d'atelier. Pour Sylvie Bonnot, photographier
c'est garder en mémoire, mais les images se figent. Alors, l'artiste utilise le
dessin pour rendre compte du déplacement, du mouvement. Le dessin est là pour
accompagner la photo : il est trace, parcours, schéma et trame. Ainsi l'artiste
fait découvrir une nouvelle dimension de ce paysage. Mais parfois, le dessin
conquiert l'espace photographique, envahit la photo. La photo n'est plus image
mais devient support du dessin. Par différents jeux de pliage, le support plan
gagne en profondeur. La magie du travail de Sylvie Bonnot « vient de cette
combustion alchimique, de cette navigation entre référent et imaginaire, de
cette sublimation du paysage, qui sont, en fait, une tentative ultime
dâĂ©puisement de lâimage. » (Marc Lenot, De la combustion du paysage.)
13 novembre-22 novembre.
Intervention de Sylvie Bonnot
SYLVIE BONNOT is
interested in the matters of landscape and territory. Her Land Art
introduces the excess of the body within nature. To Sylvie Bonnot, photo
uses to keep memory alive. Her drawing traces, goes along and weave a new
dimension of her photo. Her photo is not an image anymore but becomes
the background to a hidden dimension of landscape.
November 13-November 22
Sylvie Bonnot introduces her work (in French)
EUGĂNIE PAULTRE.
Eugenie Paultre, née en 1980, est une artiste peintre et
écrivaine. AprÚs avoir fait des études philosophiques, elle publie différents
Ă©crits dont "L'Ătat actuel des choses", puis "Hiver"
en 2013 aux Ă©ditions Al Manar/Alain Gorius, et "Nous verrons
bien" aux Ă©ditions Moon Rainbow en 2013. Dans ses longs poĂšmes en
prose rythmĂ©e, EugĂ©nie Paultre place la pensĂ©e au centre mĂȘme du travail
poétique. Autodidacte en peinture, elle s'intéresse à la couleur avec une
sensibilité accrue pour la lumiÚre. Elle utilise fréquemment l'huile et
l'acrylique ainsi que des pigments purs. Dans la grande tradition de la
peinture américaine du XXÚme siÚcle, l'artiste travaille souvent le format
carré. Eugénie Paultre laisse aux visiteurs, la libre interprétation de ses
toiles, souhaitant qu'ils s'immergent dans son univers plastique, se laissant
guider par leurs Ă©motions. Avant toute chose, c'est la recherche d'une forme de
profondeur et la volonté d'ouvrir des espaces qui caractérisent son travail.
L'artiste préfÚre parler d' "infinité" que d'abstraction pour sa peinture.
"La peinture, telle quâelle mâapparaĂźt, est avant tout de
la matiÚre (huiles, pigments purs) qui se mélange, se surimpose, se forme et se
dĂ©forme, et qui va, pour ainsi dire, de soi-mĂȘme chercher un chemin vers
« quelque chose » ; que cela sâappelle : abstrait, paysage, nature
morte, ou encore autre chose qui, peut-ĂȘtre, tient de tout cela Ă la fois, il y
a toujours cette assurance (quand bien mĂȘme cela demanderait en fait
lâĂ©ternitĂ©âŠ) dâarriver en un lieu, fini, avec toutes les imprĂ©cisions que cela
comporte. Vue ainsi, selon mon expérience, la peinture est quelque chose de
trĂšs Ă©lĂ©mentaire, oĂč il sâagit de se confier Ă ce qui Ă©merge - et d'arriver au
moment oĂč la matiĂšre trouvera un Ă©quilibre, sur cette surface plane de la toile
- son support, son soutien - pour manifester, autant qu'il est donné, le sens
cachĂ©, ou possible, qui est le sien." â EugĂ©nie Paultre
(novembre 2014)
27 novembre-06 décembre
intervention d'Eugénie Paultre
EUGENIE PAULTRE
was born in 1980, she is a Painter and a Writer. In her long poems of
rhythmic prose, Eugénie Paultre puts thought at the very center of her
poetical work. Self-taught in painting, she likes colour and is
specially sensitive to light. Having the grand ambition to open new
spaces with the painter's dirty hands, Eugénie Paultre chose a risky
path in the "infiniteness" of painting.
"Painting, it
seems to me, is first of all made by matter, in my case of oil and pure
pigments, that is mixed and layered up, given shape and loosing shape, and that
goes, so to speak, toward "something"; be it called: abstract,
landscape, still life, or something else that, perhaps, has to do with all
these. And still a confidence remains (even if it would take forever...) to reach
a finite place, with its inherent imprecisions. In my view and experience,
painting is a very basic thing, it is about relying on what comes outâand
getting to the point where matter finds a balance, on this very stretched and
friendly plane of canvas, to manifest, as far as possible, its own meaning
whether you call it hidden or likely."âEugĂ©nie Paultre (November 2014)
November 27-December 6
Eugénie Paultre introduces her show (in French)
STĂPHANE BAYARD.
StĂ©phane Bayard, nĂ© en 1955, est un peintre dâorigine
bordelaise. Depuis maintenant plus de trente ans, son Ćuvre exigeante explore
de nouvelles voies Ă la peinture. Dans son travail lâartiste interroge la
condition de la perception et la notion dâabstraction quâil juge ĂȘtre «une
inquiétante
expérience». Pour lui, la
création artistique commence par le travail de la toile: elle est pliée en épis
et montĂ©e sur chĂąssis. Elle est ensuite recouverte dâun voile de polyester, de
liant vinylique et de pĂąte Ă modeler afin dâhomogĂ©nĂ©iser l'ensemble de la
composition par un effet de transparence. DerriĂšre cet amas de matiĂšres
opaques, on devine les traces de pliage, mĂ©moire dâune premiĂšre pensĂ©e
crĂ©ative. La ligne est la trace de cette pensĂ©e initiale, elle tend Ă sâeffacer
pour finalement devenir motif. Lâartiste joue avec lâenvers et lâendroit du
tableau: sur lâendroit, la ligne apporte du rythme Ă la composition en revanche
sur lâenvers câest une vĂ©ritable mise en tension. «La ligne est ici la trace
dâune pensĂ©e en mouvement concentrĂ©e ou fuyante »(Pauline Lisowski,
Corridor, le 11 mai 2014)
11 décembre-20 décembre
Vidéo de l'intervention de Stéphane Bayard
STEPHANE BAYARD. For more than thirty years, the painting of Stéphane Bayard asked what seeing and what abstraction are, both being for him a "disquieting experience". In his work, he follows a sophisticated process of simple steps in which shape and thought intermix in search of a pictural novelty.
December 11-December 20
Stéphane Bayard introduces his show (in French)